Un tueur à gage veut mettre fin à son activité. Tout le monde ne semble pas partager cette décision...


Visuellement magnifique, The American, sous son rythme lent cache en fait une parano qui envahi chaque plan. Quand un cinéaste maîtrise si bien image, lumière, cadrage et montage, peu de mots sont utilisés pour décrire ce que ressent le personnage et nous faire partager ce qu'il ressent.

La présence animale du George ajoute la touche finale pour qu'on comprenne toute la difficulté d'avancer sa retraite si on veut en profiter vivant, il nous fait toucher du doigt ce que ressent un grand félin acculé qui voit le piège s'avancer sur lui.

Chaque scène, chaque plan nous enferme dans l'esprit du personnage. Anton Corbijn nous avait donné un Control parfaitement réussi, son American frôle le chef d'oeuvre !

Pas de "vous avez vu là ?", ni aucun "Regardez !" n'est imposé au spectateur. On suit The American libre d'en interpréter chaque morceau à sa guise. Libre ? Quelle illusion ! Car en fait The American vous hypnotise rapidement à votre insu pour vous guider exactement où Corbijn le veux.

Ah que c'est beau le cinéma quand on nous parle comme ça !

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Dans l'Angleterre du 13ème siècle, un chevalier Templier avec une poignée d'hommes tentent d'empêcher le Roi Jean de reprendre le pays.

Après Gladiator, la série Rome, puis plus récemment Centurion ou l'Aigle de la Neuvième Légion, on poursuit l'aventure du film en costume, cette fois dans l'Angleterre moyenâgeuse. Malheureusement, la qualité, elle, ne suit pas. 

Même si le Sang des Templiers s'avère distrayant et regardable, il faudra cependant beaucoup d'efforts pour s'attacher aux personnages (James Purefoy pourtant génial en Marc Antoine dans Rome, incarne ici le rôle bien peu charismatique du templier) et espérer assister à de bon moment de cinéma. Le film se contente de ponctuer son histoire de scènes d'action (plutôt gores), en bâclant complètement ses personnages. 

A force d'à peu près de réalisation, de pauvreté scénaristique, et de psychologie approximative, le film s'éloigne de l'épopée sauvage pour se rapprocher du simple "film de bagarre en costume" pour ados. Seule une avalanche de coups d'épées qui explosent, découpent et écrasent têtes et membres, empêche le film d'être réellement destiné aux enfants.

Si distrayant soit il, ce Sang des Templiers est raté et séduira davantage les gros consommateurs de divertissement que les vrais amateurs de cinéma.

 

 

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Dans un pays complètement désorganisé par à une épidémie et livré à lui-même, les vampires règnent dorénavant, obligeant les humains à s'organiser pour survivre. "Mister" s'est fait une spécialité d'exterminer ces créatures. Un jour il sauve un adolescent d'une attaque, et le prenant sous sa protection, ils traversent le pays vers le nord afin d'atteindre une zone épargnée du chaos. Le voyage s'avère parsemé de multiples dangers.

Excellente surprise que ce Stake Land, mélangeant habilement les thèmes. Pour faire simple, il est ici question d'une société quasi post-apocalyptique, infestée de vampires agissant comme des morts-vivants. Stake Land est un agréable cocktail composé d'un tiers de La Route (pour planter le décors et l'ambiance), un tiers de The Walking Dead (pour la survie de ces personnages) et d'un dernier tiers d'hommage à Georges Romero (les citations sont nombreuses, tant visuelles que thématiques).

En dépit de son budget modeste, la mise en image de cette société en ruine est tout à fait convaincante, exploitant habilement des groupes humains qui ont réinvestit des coins de nature ou des petits hameaux, plutôt que des grandes villes qui auraient dues êtres vidées à coup de couteux effets spéciaux. Cela confère à Stake Land un coté survival, et le minimalisme des décors sert à merveille la régression du système et de ses habitants. Déjà vu, certes, mais parfaitement exécuté car à aucun moment le film fait cheap ou perd sa crédibilité visuelle. Et même si les créatures sentent un peu le maquillage et les vêtements artificiellement lacérés, rien ne vient cependant décrédibiliser l'ensemble.

Décor posé, pour peupler ce périple, le réalisateur (Jim Mickle, auteur du médiocre Mulberry Street en 2006) joue la carte du mystérieux héros solitaire au passé trouble, et c'est tant mieux ! Tant mieux car si son film fonctionne, ce n'est certainement pas grâce à la profondeur de ses personnages... Le réalisateur réussit donc à ne pas s'enliser dans une construction hasardeuse des persos, et se focalise sur l'action et l'ambiance. Et même si le scénario s'encombre parfois de maladresses (dont une vraie faute de gout vers la fin...), les péripéties rencontrées lors de la traversée du pays (attaques de créatures, groupuscules d'illuminés, menaces cannibales...) sont menées avec efficacité et Jim Mickle, n'oubliant jamais qu'il n'a pas des moyens illimités, opte pour des choix de réalisation basiques, mais efficaces, qui s'avèrent souvent judicieux.

Stake Land aurait pu être un nanard fauché et sans âme, mais son humilité et son énergie le rendent au final réussi au delà de toute espérance. Un petit plaisir simple, bourré d'images terrifiantes et qui repose des blockbusters bruyants et aseptisés.

 

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 Après un divorce, un homme s'installe avec ses deux enfants dans a nouvelle maison. Rapidement, il observe des changements dans le comportement de sa fille, celle ci laisse apparaître un caractère plus dure et ne cesse de jouer autour de la vieille butte funéraire qui trône dans un coin du jardin.

Cette énième histoire de possession, ne réussit pas à sortir du lot : exposition des rapports père/fille difficile, premiers signes de surnaturel, installation du mal découverte de la vérité, puis dénouement. Même si le film réussira peut être à inquiéter  les moins habitués du cinéma de genre, ou bien les parents qui se projetteront dans la situation du personnage de Kevin Costner, tout cela est très convenu et absolument dénué de toute originalité. Cette fois ci, il faudra juste remplacer la traditionnel fantôme par une vieille civilisation qui veut ôter une petite fille à sa famille, mais ce détail mis à part tout sera "comme d'habitude"...

On appréciera cependant l'effort du réalisateur pour installer avec soin les relations tendues entre un père (notre Kevin Costner, plutôt convaincant avec un peu de bouteille) et sa fille, mais dommage que le poids de l'Amérique ne nous rende ces valeurs familiales trop lourdes ! Au final : encore un film où la motivation du personnage est la protection de la sacro-sainte famille.

Quand à l'élément fantastique, cette peuplade ancestrale vivant parmi nous depuis toujours réclamera pas mal d'efforts de notre part pour tenter d'y croire le temps du film... Seule la première apparition de la créature (dans le premier quart d'heure, lorsque la fillette est à sa fenêtre...) est savamment dosée. Discrète et efficace, montrant la créature en intégralité sans réellement la montrer, on se disait "ça commence bien"... Hélas les promesses ne seront pas tenu, et le film de décollera plus de sa lourde trame linéaire.

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Une famille s'installe dans la vieille demeure familiale, en Belgique. La jeune fille, Lisa, voit le fantôme d'une petite fille, fantôme qui va lui faire des révélations sur sa maman.

Le cinéma néerlandais n'est pas des plus courant sur nos écrans, et s'il peut s'avérer d'une grande qualité lorsqu'il s'agit de drames (les premiers longs de Paul Verhoeven), les réussites dans le domaine du cinéma de genre ont posé un vrai problème à la rédaction de doorama pour vous sortir une ou deux références... Comme ça, de mémoire : rien !

Et après la vision de Two Eyes Staring, notre culture restera identique. Cette petite fille qui voit un fantôme ne nous laissera aucun souvenir, si ce n'est sa ressemblance lointaine avec Deux Soeurs (par son approche psychologique) et quelques réminiscences des spectres asiatiques à la The Ring. 

Two Eyes Staring, porte fièrement ses origines européennes, et l'on sent bien que nous sommes moins bien rompus au genre "Fantôme" que les américains (anglais et espagnols mis à part, bien sûr...). L'histoire prend difficilement de l'ampleur, la drame et la tension s'échafaudent péniblement, et les molles apparitions de la petite fille morte, sensées faire avancer le film, ne réussissent pas à lui insuffler le rythme nécessaire pour installer la peur. On subit donc ce méchant petit fantôme à coup de clichés usés (silhouette fixe, yeux baissés cheveux sur le visage...) jusqu'à un twist final assez banal, bien qu'inattendu.

  

C'est mou, sans ambition ni rythme. Ces deux yeux qui fixent réussissent à peine à garder les vôtres ouverts.

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Julien, Lisa et leur fils forment une famille heureuse et sans problème. Un jour, la police fait irruption au domicile conjugal et Lisa est emprisonnée pour meurtre. Julien, persuadé de son innocence, commence à mettre en place un plan pour la faire évader.

A Bout Portant, le second film de Fred Cavayé, s'amusait à torturer un citoyen ordinaire en faisant peser sur lui toute l'injustice du monde. Pour Elle, son premier film, s'appuyait déjà sur ce ressort dramatique en amputant littéralement une famille épanouie de la maman. Vincent Lindon et Diane Kruger incarnent à merveille ce couple brisé, laissant apparaître à chacune de leurs rencontres l'humanité et le désespoir de leur personnage. 

Pour Elle focalise son scénario impeccablement écrit (si bien que Paul Haggis en a donné sa vision avec Les 3 Derniers Jours, avec Russel Crow dans le rôle de masculin) sur cet homme prêt à tout risquer pour celle qu'il aime, et l'on y croit ! Flirtant du coté du thriller à l'américaine et du film noir, il garde cependant une personnalité française qui facilite la projection du spectateur dans cette situation infernale. C'est sans doute cette attention à décrire le désespoir de ses personnages, avec l'injustice comme moteur, qui confère à Pour Elle toute sa force. 

Fred Cavayé réussit à alterner tension dramatique et scènes d'action dans un quasi sans faute, gardant comme seul fil de conduite la force de son histoire et l'énergie de son personnage masculin. Il capte l'attention du spectateur et nous rappelle que le cinéma français est capable, lui aussi, de proposer un cinéma de genre qui allie intelligence, divertissement et efficacité.

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Victor Crowley hante les marais de Louisiane et massacre tout ce qui lui tombe sous la hache... Marybeth, qui a vu toute sa famille se faire exterminer par le tueur, décide de retourner dans le marais avec la ferme intention de le tuer définitivement. Pour cela, elle va s'adjoidre les services du révérend Zombie, un sorcier local...

Adam Green s'est (peut être) amusé à reproduire les slashers des années 80's. Butcher 2 s'adonne au massacre d'un tueur vengeur, à l'image de Vendredi 13 et de la horde de sous-produit qui hantaient alors nos écrans. L'unique intérêt de ce slasher réside, bien sur, dans l'originalité de chaque meurtre, exagérément gore et gorgé d'humour. Têtes explosées, colonnes vertébrales arrachées, couple en pleine fornication dérangé par le tueur : si il est vrai que les amateurs de gore se réjouiront des litres de sang et de latex présents à l'écran, les autres ne pourront que constater l'immense nullité des scènes de transition.

Butcher 2 se consomme comme un porno, on peut (il faut ?) accélérer entre chaque scène si l'on veut profiter du morceau de bravoure et ne pas affronter l'inexistence du scénario et la pauvreté des dialogues. Un hommage au genre. (volontairement ou involontairement raté ?).

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Deux reporters de guerre se retrouvent au milieu d'un conflit opposant la Russie à la Géorgie. Ils assistent à un massacre et tente de sortir les images pour avertir le monde.

Les années 90 étaient un le terrain de jeu de Renny Harlin. Aujourd'hui, l'homme de Au revoir à Jamais, 58 Minutes pour Vivre ou Cliffhanger pense que le temps l'a bonifié et se prend pour un cinéaste. Etat de Guerre, si l'on met de coté son scénario banal et manichéen, exaspère tout particulièrement par son style.

Renny Harlin s'aventure dans la cour des grands en tentant autre chose que du blockbuster fun, et ambitionne de nous proposer un film réaliste et dramatique abordant la guerre, la vérité, le grand reportage et les idées du "monde libre"... Seul hic, le tout reste habillé du costume du film d'action, et ici le mariage avec le sujet ne se fait pas, mais alors pas du tout... Effets de ralentis inutiles (voire contre-productifs), plans aériens et musique pompeuse viennent anéantir complètement la veine tentative de construire une histoire forte. Dès que sa guerre devient crédible et dure, le réalisateur s'empresse de poser sa scène d'action ou son moment de bravoure, comme par crainte que le spectateur s'ennuie, et ôte ainsi toute crédibilité à son film.

Ne restera après son visionnage que quelques plans de guerre plutôt réussis, quelques acteurs moyens (dont Val Kilmer et Andy Garcia comme alibis de vente du film) et surtout beaucoup de morale. 

La rédaction a particulièrement apprécié la constance dans le réalisme, avec des journalistes qui ont besoin de traductions pour comprendre le géorgien (normal, me direz-vous, faut rester crédible) et la scène du président géorgien (Andy Garcia, qui lui en revanche n'est pas crédible) qui s'adresse en anglais à une foule géorgienne visiblement parfaitement bilingue...

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Un petit avocat met la main par hasard sur un sac rempli de drogue. Décidé à profiter de l'occasion pour relancer sa vie, il décide de la vendre, entrainant sa femme avec lui, et rompant ainsi avec la routine familiale.

Ce premier film d'Alexandre Coffre est sacrément réussi. Il promène nonchalamment son scénario du coté de  la comédie tout en flirtant, par légères touches, avec le policier, voire même le drame. Ici, un couple abimé par les années se voit littéralement réanimé par l'arrivée du sac de drogue, ou plutôt par l'argent qu'ils vont en dégager, puisque il va se transformer en apprenti dealer. Le scénario est bien écrit, François Damien, comme on ne l'a jamais vu, absolument parfait dans son rôle, et la réalisation sobre et inspirée recèle d'intelligente et de créativité.

Cependant, pourtant fort de toutes ses qualités, Une Pure Affaire ne s'épanouit pas pleinement, coincé entre sa volonté de faire sourire et son regard distancé et inquiet sur ce couple essoufflé. Alexandre Coffre avait il peur de traiter sérieusement un sujet difficile ? (pourtant il semblait en avoir l'étoffe !). C'est ce que l'on peut ressentir en regardant ce film qui refuse de se soumettre aux règles de la pure comédie, refuse de tomber dans le pathos, et finalement donne l'impression de rater sa cible en n'arrivant pas à l'équilibre.

Une Pure Affaire laisse sur sa faim, un peu frustré de n'avoir pas assez rit, un peu déçu de na pas avoir ressenti les tensions émotionnelles des personnages, mais nous laisse aussi plein d'espoir de revoir ce réalisateur dans un registre plus sombre. A suivre...

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Un légionnaire et son esclave, vont récupérer l'Aigle, symbole du pouvoir romain, perdu par son père en territoire picte. Seuls au delà des frontières romaines, en écosse, sur la terre d'où vient son esclave, ils devront affronter bien des dangers.

Il y a de cela 1 an, Neil Marshall (Dog Soldiers ! On adore à Doorama...) nous proposait une agréable surprise en costume appelée Centurion. L'Aigle de la Neuvième Région pourrait presque en être la suite... Presque. Kevin MacDonald reprend comme décor "l'autre coté du Mur" et s'invite à son tour dans cette période romaine. Se voulant plus posé que son prédécesseur décomplexé, cet aigle là propose ce qu'on pourrait appelé un péplum minimaliste, puisque les cohortes romaines du début du film laissent vite place aux rapports (rivalité ?) entre deux personnages. 

Il faudra oublier la motivation du légionnaire (retrouver l'honneur perdu par son père), le casting un peu jeune pour être crédible et le scénario un peu usé, si l'on veut profiter des qualités du film... L'Aigle de la Neuvième Région puise sa qualité dans sa forme minimaliste (action, concentration sur le duo, paysages désertiques à tomber...) et la conviction de son réalisateur en son histoire. Il s'impose par son rythme et sa forme générale atypique, réussit à séduire et intéresser et, en dépit de ses nombreux défauts, parvient à acquérir une personnalité propre qui le différencie radicalement des autres films du genre. Faute de grand spectacle épique, le plaisir est bien là.

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Un écrivain raté voit ses capacités mentales décuplées par l'utilisation d'une drogue. Il met à profit cette faculté dans le monde de la finance pour avancer dans la société et s'enrichir.

On doit à Neil Burger le film L'Illusionniste, qui travaillait déjà un certain coté hybride en jouant sur la frontière entre thriller et fantastique. Limitless utilise aussi cette astuce pour nous faire passer sa base de départ qui, à bien y regarder, ressemble un peu à un rêve de gamin qui croit en l'existence d'un certain coté magique : une drogue qui rend intelligent !  On pourra aussi lire derrière ce rêve d'enfant une certaine vision de la société actuelle qui veut croire en une réussite facile et immédiate. Sur ce point Limitless atteint son objectif en proposant une société avide et immorale, aveuglée par la réussite sociale.

Hélas, cet aspect critique ne constitue qu'un élément du décor, et le film se concentre plutôt sur l'action du personnage (sa course pour maintenir son "avantage") que sur la peinture de notre monde. On regrette que ce potentiel ne soit pas davantage exploité, mais cela a sans doute l'avantage de nous éviter une leçon de morale à l'américaine, prenons donc ça comme un bien !

L'ascension du personnage et son maintien au sommet, avec les péripéties et dangers inhérents, réussissent à capter notre attention sur toute la longueur du film, sans temps morts, par un rythme plutôt bien tenu. Niveau style, il est impossible de ne pas penser à Fight Club (narration voix off, effets visuels...), tellement que çà trahie l'ambition du film de "se poser là", d'offrir un spectacle de haut vol. Et c'est peut être là que Limitless retrouve ses limites et manque son but : si bien emballé soit le produit, si beau soit le pakaging, à l'intérieur ne se trouve qu'un thriller efficace, certes, mais qui ne réussit pas à dépasser le stade du divertissement.

Mais ne boudons pas notre plaisir, même s'il ne surprend pas et n'exploite pas son potentiel, le film fonctionne et parvient quand même à nous faire jouer avec son thème : "Si je devenais si intelligent, je ferais le film parfait !"

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2 geeks, fans de science-fiction, traversent les Etats-Unis en camping-car, avec comme seul guide les lieux mythiques où se seraient produit des apparitions du 3eme type. En chemin, ils recueillent Paul, un extraterrestre qui s'est échappé des mains du gouvernement et tente de rentrer chez lui.


On peut voir Paul comme une parodie de Rencontres du 3ème Type. Il est à ET ce que Mac Grubber est à Mac Gyver, mais l'efficacité comique davantage bridée. Notre Roswell est donc impoli, gentiment vulgaire et catalyse la culture SF de nos deux 2 geeks habituels (le couple Simon Pegg / Nick Frost nous avait déjà fait étalage de leur culture du mort -vivant avec Shaun Of the Dead et de leur culture policière avec Hot-Fuzz).

On suit tout ça gentiment, on lâche quelques sourires sur quelques répliques bien placées, mais même si le divertissement fonctionne, l'ensemble s'avère bien plat et le tout trop calibré. On attendait plus de Greg Mottola qui, avec Supergrave, avait signé un vrai film sur l'adolescence sous des apparences de énième American Pie insignifiant. Avec Paul, n'attendez aucune surprise, ne cherchez pas  l'originalité, la seule chose qui décolle vraiment, c'est Paul, et au bout d'1h40, même si on l'aime bien, on est pas mécontent !

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