Un légionnaire et son esclave, vont récupérer l'Aigle, symbole du pouvoir romain, perdu par son père en territoire picte. Seuls au delà des frontières romaines, en écosse, sur la terre d'où vient son esclave, ils devront affronter bien des dangers.

Il y a de cela 1 an, Neil Marshall (Dog Soldiers ! On adore à Doorama...) nous proposait une agréable surprise en costume appelée Centurion. L'Aigle de la Neuvième Région pourrait presque en être la suite... Presque. Kevin MacDonald reprend comme décor "l'autre coté du Mur" et s'invite à son tour dans cette période romaine. Se voulant plus posé que son prédécesseur décomplexé, cet aigle là propose ce qu'on pourrait appelé un péplum minimaliste, puisque les cohortes romaines du début du film laissent vite place aux rapports (rivalité ?) entre deux personnages. 

Il faudra oublier la motivation du légionnaire (retrouver l'honneur perdu par son père), le casting un peu jeune pour être crédible et le scénario un peu usé, si l'on veut profiter des qualités du film... L'Aigle de la Neuvième Région puise sa qualité dans sa forme minimaliste (action, concentration sur le duo, paysages désertiques à tomber...) et la conviction de son réalisateur en son histoire. Il s'impose par son rythme et sa forme générale atypique, réussit à séduire et intéresser et, en dépit de ses nombreux défauts, parvient à acquérir une personnalité propre qui le différencie radicalement des autres films du genre. Faute de grand spectacle épique, le plaisir est bien là.

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Un écrivain raté voit ses capacités mentales décuplées par l'utilisation d'une drogue. Il met à profit cette faculté dans le monde de la finance pour avancer dans la société et s'enrichir.

On doit à Neil Burger le film L'Illusionniste, qui travaillait déjà un certain coté hybride en jouant sur la frontière entre thriller et fantastique. Limitless utilise aussi cette astuce pour nous faire passer sa base de départ qui, à bien y regarder, ressemble un peu à un rêve de gamin qui croit en l'existence d'un certain coté magique : une drogue qui rend intelligent !  On pourra aussi lire derrière ce rêve d'enfant une certaine vision de la société actuelle qui veut croire en une réussite facile et immédiate. Sur ce point Limitless atteint son objectif en proposant une société avide et immorale, aveuglée par la réussite sociale.

Hélas, cet aspect critique ne constitue qu'un élément du décor, et le film se concentre plutôt sur l'action du personnage (sa course pour maintenir son "avantage") que sur la peinture de notre monde. On regrette que ce potentiel ne soit pas davantage exploité, mais cela a sans doute l'avantage de nous éviter une leçon de morale à l'américaine, prenons donc ça comme un bien !

L'ascension du personnage et son maintien au sommet, avec les péripéties et dangers inhérents, réussissent à capter notre attention sur toute la longueur du film, sans temps morts, par un rythme plutôt bien tenu. Niveau style, il est impossible de ne pas penser à Fight Club (narration voix off, effets visuels...), tellement que çà trahie l'ambition du film de "se poser là", d'offrir un spectacle de haut vol. Et c'est peut être là que Limitless retrouve ses limites et manque son but : si bien emballé soit le produit, si beau soit le pakaging, à l'intérieur ne se trouve qu'un thriller efficace, certes, mais qui ne réussit pas à dépasser le stade du divertissement.

Mais ne boudons pas notre plaisir, même s'il ne surprend pas et n'exploite pas son potentiel, le film fonctionne et parvient quand même à nous faire jouer avec son thème : "Si je devenais si intelligent, je ferais le film parfait !"

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2 geeks, fans de science-fiction, traversent les Etats-Unis en camping-car, avec comme seul guide les lieux mythiques où se seraient produit des apparitions du 3eme type. En chemin, ils recueillent Paul, un extraterrestre qui s'est échappé des mains du gouvernement et tente de rentrer chez lui.


On peut voir Paul comme une parodie de Rencontres du 3ème Type. Il est à ET ce que Mac Grubber est à Mac Gyver, mais l'efficacité comique davantage bridée. Notre Roswell est donc impoli, gentiment vulgaire et catalyse la culture SF de nos deux 2 geeks habituels (le couple Simon Pegg / Nick Frost nous avait déjà fait étalage de leur culture du mort -vivant avec Shaun Of the Dead et de leur culture policière avec Hot-Fuzz).

On suit tout ça gentiment, on lâche quelques sourires sur quelques répliques bien placées, mais même si le divertissement fonctionne, l'ensemble s'avère bien plat et le tout trop calibré. On attendait plus de Greg Mottola qui, avec Supergrave, avait signé un vrai film sur l'adolescence sous des apparences de énième American Pie insignifiant. Avec Paul, n'attendez aucune surprise, ne cherchez pas  l'originalité, la seule chose qui décolle vraiment, c'est Paul, et au bout d'1h40, même si on l'aime bien, on est pas mécontent !

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Une famille emménage dans leur maison. Alors que leur fils vient subitement de tomber dans un coma profond des phénomènes inexpliqués et terrifiants surviennent dans la maison.

On connaît James Wan pour Saw et Death Sentence, deux films efficaces mais chacun largement critiquable. Avec Insidious il s'aventure dans le film de fantôme et de maison hantée, avec l'ambition de nous faire peur, très peur. Au menu : bruits, objets en mouvements, visions, portes qui claquent, apparitions, possession, lumières, etc... le tout mélangé dans un scénario classique du genre. Attendez-vous donc à à l'utilisation de la panoplie complète (et il n'y manque rien) du film d'esprits démoniaques et frappeurs et montez dans le grand huit de de James Wan !

Autant le dire, Insidious n'est pas le grand huit annoncé, mais plutôt un petit train fantôme. Malgré l'ambition, l'objet filmique s'avère au final plutôt médiocre. Il oscille sans cesse entre le déjà-vu (surtout Poltergeist !) et une bonne volonté de tous les instants. L'accumulation des attributs du genre, et la perpétuelle volonté de s'en démarquer, finissent finalement, par leur utilisation effrénée, à irriter davantage qu'à installer la peur. Tout va trop vite, une apparition chassant l'autre, ce qui finit par transformer l'expérience en simple attraction fun, et empêcher tout climat de s'installer.

Insidious s'attache plus à la forme qu'au fond, et même si certaines apparitions sont particulièrement effrayantes et bien gérées, l’accumulation de ces scénettes horrifiques (certaines assez poussives, voire ridicules) ne réussit pas à établir le nouveau standard promis de la Peur. On apprécie la dérive du pur film de maison hantée vers celui du film de possession, mais finalement on se surprend à préférer le minimalisme fauché de Paranormal Activity ! Et on attendant d'avoir de nouveau peur de s'endormir, on reverra La Maison du Diable (Robert Wise, 1963).

 

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Lors d'un curieux orage, un voilier chavire. Ses 6 occupants réussissent à monter à bord d'un mystérieux paquebot providentiel. A bord : pas une âme qui vive... Nous sommes au cœur du triangle des Bermudes... 

Difficile de parler de Triangle sans en abîmer le fonctionnement. Pour faire simple nous dirons que le
film de Christopher Smith trouve son équilibre entre le film d'épouvante et le film sur les jeux temporels (de type L'Effet Papillon, ou l'excellent film espagnol Time Crimes...). Il ne faut rien attendre de Triangle sur le plan de l'originalité, il mixe, durant ses 100 minutes réglementaires, vaisseaux fantômes, tueur masqué et retours dans le temps pour en modifier le cours.

Alors où réside l'intérêt de Triangle ? La réponse se situe dans sa réalisation et la construction de ses boucles temporelles. Christopher Smith, tel un Petit Poucet, parsème son film de petits cailloux scénaristiques, y revient plus tard, et change leur signification... Au final, l'exercice s'avère des plus habillement réussis, et redessine sans cesse les éléments horrifiques de son récit, s'offrant même le luxe de peaufiner son personnage féminin (Melissa George).

Triangle sous ses allures de petit film horrifique de commande au scénario usé, recèle en fait une agréable surprise d'intelligence et d'efficacité : merci Christopher !

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Le destin de Javier est d'être un clown triste. Dans le cirque qui l'embauche, il fait son numéro avec le clown drôle qui, hors la piste, est un homme violent, cruel et méchant, qui terrorise chaque forain, dont la belle acrobate... Javier tombe amoureux de la belle acrobate, une rivalité sans limite oppose alors les deux clowns.

Alex De La Iglesia (Le Jour de la Bête !) s'emploie une fois de plus à un pur cinéma de genre, original et décalé, décomplexé. Sur fond d'Espagne troublée (guerre sous Franco, puis sortie du franquisme), le réalisateur nous raconte la transformation d'un clown en monstre, s'appuyant pour cela sur des hommages multiples au classiques du fantastique (Phantom of the Opera, King Kong, Freaks...) et empruntant ses thèmes (l'amour contrarié entre une belle et une bête , la part d'humanité de ces monstres...).
Balada Triste prends ainsi la forme d'une fable sur l'amour, hystérique et barrée, ponctuée d'humour et de violence. Mais au final, même si un vent de vrai Cinéma souffle durant tout le film et que le spectacle est garanti, ce grand-huit de Alex De La Iglesia se heurte à ses propres limites et ne reste qu'un divertissement pour cinéphiles, ne réussissant pas (l'oubliant ?) de graver à jamais la mémoire du spectateur.

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John Skillpa est un homme discret, renfermé sur lui même, sans personnalité apparente. Les habitants de Peacock, Nebraska, savent juste de lui qu'il a auparavant perdu sa mère et qu'il s'en est difficilement remis. Un événement inattendu, met au grand jours une Mme Skillpa... Mais M. et Mme Skillpa ne sont en fait qu'un ! La subite mise en lumière de son alter ego féminin et la venue d'une femme avec un enfant va déstabiliser le quotidien de John.

L'étonnant Cillian Murphy (28 jours plus tard, Sunshine), la géniale Ellen Page (Inception, Juno, Hard Candy) et Susan Sarandon sont les atouts de ce drame schizophrène qui a apparemment été éclipsé des lumières des salles obscures... C'est dommage !
Indéniablement, le film repose sur le jeu impeccable de Cillian Murphy, qui propose ici une fort belle performance. Il porte le film avec conviction et subtilité, méritant tantôt la nomination aux oscars du meilleurs rôle masculin, tantôt celle du meilleurs rôle féminin. Michael Lander s'appuie donc sur son acteur pour donner à son film un rythme lent, une sorte d’inexorable marche vers une fin que l'on sent tragique.

Sans pour autant leur ressembler, on pense à la réussite du Machiniste pour sa psychologie, et celle de  The Hours pour son climat dramatique et surtout à Psychose pour... mais vous verrez ! Peacock est un drame psychologique élaboré avec grand soin et méticulosité. Mais malgré tous ses atouts, la volonté du réalisateur de n'utiliser aucun effet de réalisation, ni aucune emphase, finit par mettre le spectateur légèrement en retrait du récit, l'éloignant des tourments de l'histoire, comme pour l'en protéger. C'est peut être cette distance de sécurité trop important avec le personnage du film, qui nous empêche de ressentir pleinement le lent et douloureux combat sur l'écran.

Peacock est donc parfaitement réussi en de nombreux points, mais il ne lui manquait qu'une dose de toupet et d'audace pour réussir pleinement son pari.

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La Corée du Sud traque les espions Nord-Coréens en activité sur son territoire. Lors de l'arrestation de l'un d'eux, l'Ombre, l'opération tourne au carnage et l'agent Lee porte la responsabilité de l'échec et perd son emploi. 6 ans plus tard ,reconverti dans la recherche de personnes disparues, il croit reconnaître l'un des espions alors impliqué. Il l'engage pour travailler avec lui afin de poursuivre discrètement son enquête.

Lorsque le cinéma asiatique ne verse pas vers le blockbuster à l'américaine pour teenagers, il regorge de d'intelligence et de nuances. Le cinéma Coréen est particulièrement riche d'exemples, nous proposant régulièrement des trésors de finesse ou d'efficacité (juste pour le plaisir, à la rédaction, on aime citer The Chaser).

 The Secret Reunion ne se pose pas comme un film particulièrement novateur ou percutant, mais il aborde  le thème de l'amitié entre deux peuples ennemis sans tomber dans la morale facile ou la facilité du buddy-movie. Le scénario, particulièrement bien écrit, permet à son réalisateur JANG Hun de construire ses personnages avec soin, et rends vite ses deux espions très attachants... Quelques scènes d'action bien faites émaillent régulièrement le film, sans surcharger ni purement assurer la déco... Quand à la thématique de cette amitié Nord/Sud-coréenne, on apprécie grandement la liberté d'interprétation laissée au spectateur et la discrétion de son traitement.

Mais malgré sa réalisation précise, un rythme soutenu, son parfait duo d'acteur (dont SONG Kang-Ho du mémorable Memories of Murders), de l'intelligence et un scénario solide, The Secret Reunion ne réussit pourtant pas à nous transporter aussi loin qu'il aurait pu, qu'il aurait dû... Allez, avouons le, c'est peut être son origine culturelle (l'Asie) qui nous empêche de partager l'intensité, l'intimité des deux personnages (mais là, c'est pas le film qui rate quelque chose, c'est nous !). 

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Deux flics du Bled sont envoyé à Paris pour traquer un Sérial Killer d'épiciers à Barbès.

Toute la recherche et le travail qui consistait à tirer l'humour de La Tour Montparnasse Infernale vers l'absurde ultime et vers la blague no-limit climax, meurt dès les premières 30 secondes du film. Rien ne fonctionne, absolument rien.

L'empilement de prétextes rate systématiquement sa cible comique, la faute à un Eric & Ramsy endormis (morts ?) sur leurs lauriers, mais aussi à une réalisation qui réussit à nous faire prendre conscience qu'il est possible de réaliser un film tout en haïssant profondément le cinéma.

Pas "délire", à peine amateur : Halal Police d'Etat, c'est un degré 0, c'est juste une manifestation du Sheitan !

David Norris se présente au siège de sénateur de la Belle New York. Le soir des résultats, il fait la connaissance d'une femme brune dont il tombe instantanément amoureux. Mais cet amour n'est pas du goût de l'Agence, mystérieuse organisation qui régit nos destinées, ...et donc nos amours ! David n'acceptera pas que l'on écrive pour lui sa destinée.

L'Agence navigue entre romance et science-fiction K-Dickienne. C'est sans doute là que le spectateur risque de se perdre, cherchant tantôt plus de fond dans la charge parano, tantôt plus de développement dans l'histoire d'amour entre les deux personnages. Le verdict final sera vraisemblablement pour beaucoup une véritable affaire d'humeur, puisqu'il est vrai que ce premier film de George Nolfi ne choisit pas son camp. Il évolue à égale distance entre un film d'anticipation plein d'action et une charmante love-story bien menée.
Techniquement ? Le tout est plutôt bien emballé, et équipé d'un casting particulièrement sympathique : Matt Damon, Emily Blunt et surtout Terence Stamp, définitivement trop rare aujourd'hui.

On sort de là plutôt satisfait... avec la sensation d'avoir vu deux films sympathiques : un bon thriller de SF, pas trop ado, et une chouette histoire d'amour, simple et pas mièvre !
On sort de là plutôt déçu... avec la sensation d'avoir vu deux films inachevés : un épisode un peu anecdotique de la 4ème dimension, avec des gars genre men in black, et une histoire d'amour un peu bâclée et trop américaine !

A la rédaction, on penchait du coté du "ni bon, ni mauvais"...
On a finalement penché vers ni 5, ni 7 !

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Après la mort du cerveau, celui-ci continue d'émettre un "halo de mémoire" d'une huitaine de minutes. C'est cette zone du passé que le système du Source Code permet d'explorer, en envoyant Colter Stevens pour trouver ce qui lui permettra d'éviter un attentat majeur à venir.

Par tranches de 8 minutes répétées, Duncan Jones nous livre ici une version science diction de Un Jour Sans Fin. Pourtant bien mené, le scénario accumule des éléments d'enquête nouveaux dans la répétition des 8 dernières minutes d'un train. Il n'y a pas vraiment de lassitude ou de redites maladroites pour le spectateur, mais Duncan Jones élabore un vrai-faux suspense où, malgré le fait qu'on ne devinera peut être pas la suite, l'on ressent, pressent même, ses directions futures : Source Code génère une routine qui ne réussit pas a étonner.

Cependant agréable à suivre, malgré le ronron incessant de sa mécanique, Source Code déçoit principalement par ce qu'on attendait de l'auteur de Moon : on aurait aimé qu'il récidive dans l'originalité et poursuive sa route vers l'atypique. Absence des deux : Source Code ne décolle pas de ce qu'il est, et, dans 5 ans, entrera dans la collection des films d'action/thriller/science-fiction à 6.99 € de la décennie passée, destinés à occuper une soirée où sortir réclame trop d'énergie !

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L'origine des X-Men ! Ou comment Magnéto rencontre le professeur Xavier pour combattre le mal, et comment les mutants se sont révélés au monde et ce qui s'ensuit...

Effectivement ce X-Men First Class s'avère infiniment bien meilleur que les dernières adaptations de la saga (à l'exception de celle de Brian Singer, qui tenait la route). Un film de super-héros en costume, certes, mais avec la véritable ambition de raconter une Histoire, plutôt que simplement utiliser supers-pouvoirs comme prétexte à l'action. Mission réussi niveau scénario donc. Le cahier des charges de ce type de projet est rempli !

La faiblesse du film, et ce qui empêche X-Men Firts Class d'être l'objet punch et jouissif qu'on attendait, c'est sa réalisation. Matthew Vaughn signe ici une réalisation fade, voire plate, dénuée de tout rythme. Il se contente de suivre son scénario de manière linéaire, ce qui a comme effet d'installer un manque total de dynamisme (le dynamisme du film se cache dans son scénario, pas dans sa forme, qui assure juste la qualité cinéma du produit). Sans doute d'ailleurs l'a t-il lui même ressenti, puisqu'il se risque à un split screen médiocre (et parfaitement inutile), lors de l'entraînement de l'équipe, seule "originalité" de réalisation, sans doute conscient sa propre routine... On l'avait connu plus vivant dans son sympathique Layer Cake.

Décollage réussi, donc, pour les mutants, mais pas besoin d'accrocher sa ceinture.

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