En Alaska, des prospections pétrolières troublent l'équilibre de l'écosystème. Une équipe de scientifiques est confrontée à d'étranges phénomènes.

L'immensité de la banquise et la promiscuité des hommes dans une petite station isolée rappellent forcément l'ambiance de The Thing. La créature du film de Carpenter, qui se cachait à l'intérieur des hommes, se cache ici dans la nature, et c'est cette nature qui va influencer l'équilibre intérieur des hommes.

Si les recettes sont similaires, Last Winter ne copie cependant pas le Modèle, et si l'ambiance reste comparable, il n'atteint hélas pas son intensité.

Last Winter se laisse suivre avec intérêt, il réussit à installer un intéressant climat d'angoisse et entretenir un suspens croissant. Mais l'entreprise s'écroule dans la dernière partie du film, retombant dans un fantastique conventionnel et sans originalité, en parfaite opposition avec tout ce que Last Winter avait tenté de construire.

Last Winter se découvre comme une sympathique petite série B fantastique sur fond d'écologie, mais se termine hélas dans la banalité de la série Z. Dommage, sans son scénario terminé dans le bâclage, le film aurait pu se ranger dans les bonnes surprises.

Une épidémie s'empare progressivement du monde : chaque symptôme est suivi de la perte de l'un de nos sens... Au milieu de ce curieux mal sans remède, un cuisinier rencontre la scientifique d'à coté et tombent amoureux.

Perfect Sence commence sans intensité, presque laborieusement, mais chaque amputation sensorielle du film enrichi l'expérience du spectateur. Grâce à un scénario mêlant habilement romance et science-fiction, David Mckenzie construit patiemment son film et dessine progressivement un parallèle stimulant entre l'évolution de son mal et notre société.

"Pour chaque chose que l'on perd, on en acquiert une autre" terminait le film Un Eté 42... C'est un peu ce qui caractérise Perfect Sense en se focalisant chaque fois davantage sur l'humain à chacun de nos sens perdu. McKenzie réussit à établir une fort belle métaphore, entre nos accumulations matérielles et nos pertes de sens (de Sens ?). Perfect Sense fabrique de la plus belle des manières qu'il soit un jeu de reflets entre notre société et nous, sans jamais délivrer de message trop appuyé, sinon celui que son scénario réclame : l'Amour !

Perfect Sense, flirte parfois avec un coté bien-pensant ou politiquement correcte, il use parfois de quelques violons (sans parler de la magnifique BO de Max Richter, qui l'illustre au sens propre comme au sens figuré), mais il parvient à captiver de manière croissante jusqu'à sa dernière image. Perfect Sense laisse plusieurs saveurs complémentaires et contradictoires après sa vision, mais avant tout il parvient à réveiller vos sens... Une très belle expérience.

Tintin cherche à retrouver les maquettes de La Licorne avant que l'immonde Sakharine ne mette la main sur le trésor que leur secret renferme.

Techniquement, le numérique de Tintin atteint des sommets. Certaines textures sont absolument renversantes, ce n'est hélas pas le premier mot qui vient à l'esprit pour qualifier le film !

Forcément, on est "attendu au tournant" lorsque l'on adapte un mythe comme Tintin au cinéma, ou que l'on change de média (BD et cinéma sont cousins, mais ils n'ont pas le même langage), forcément fans et créateurs n'ont pas la même vision... 

Doorama, peu connaisseur de Tintin, mais avant tout peu fan de Spielberg, se place du coté des décus. Le film est certes fort beau, mais l'âme n'est pas là ! Si l'on supprime les allusions à plusieurs aventures de Tintin (ci et là dispersées pour "crédibiliser" l'univers) et que l'on change les noms, Tintin n'est qu'un blockbuster d'aventure américain de plus. Si on l'"anonymise" (à la manière d'un CV,) la seule chose que l'on verrait transparaître du film est du Spielberg, certainement pas du Hergé ! (même si Indy, initialement, pouvait en partie s'en inspirer il est vrai).

Tintin est donc avant tout un film d'aventure et d'action, sans temps mort, effectivement trépidant (trop ?) mais avant tout américain ! Une espèce de contradiction interne qui risque de décevoir les puristes Tintinophiles et rendent le projet quelque part frustrant. Tintin, le film, ressemble à la BD de Hergé comme le Sherlock Holmes  de  Guy Ritchie à l'oeuvre de Conan Doyle : Une simple étiquette !


Sinon, pour le reste, Spielberg "sait faire" ! L’impressionnante poursuite en side-car, en un seul long plan séquence, est une leçon de cinéma à elle seule !

Portrait de J. Edgar Hoover qui à créé le FBI et dirigé celui-ci durant presque 50 ans, sous les ordres de 8 présidents...

Clint Eastwood, c'est 1 sur 2 ! Un grand film et un film plus "modeste"... Son dernier film,  Au-delà, faisait partie de la seconde catégorie ; avec J. Edgar, Eastwood retrouve l'immense qualité cinématographique qui le caractérise.

Sobre et posée, la réalisation Classique (C majuscule !) du maître sert parfaitement ce biopic sur le Hoover secret et obsessionnel. Mais si techniquement Eastwood livre un grand film (encore que la construction en flashbacks soit contestable), J. Edgar, à l'instar de nombreux biopics, s'avère aussi un tantinet ennuyeux.

Pourtant méticuleux et précis, comme l'est Hoover lui-même, le film ne trouve pas tout à fait sa raison d'être. Eastwood jette l'éclairage sur la personnalité de son personnage, reléguant l'histoire en elle même au second plan. J. Edgar prend alors le parti de dépeindre l'homme plutôt que l'Histoire, mais malgré la très belle prestation de Di Caprio, les 2h15 se révèlent au final bien trop généreuse pour dresser le portrait secret de l'homme.

Maîtrisé et solide, J. Edgar illustre la faiblesse du genre biopic...
"Si tu ne viens pas à Lagardère, Lagardère ira à toi" ? Le biopic, lui, n'est pas comme Lagardère ! Si tu ne vas pas à lui, il n'ira pas à toi... J. Edgar, en bon biopic, et en dépit de son axe intimiste, n’intéresse  que les spectateurs déjà intéressés pas Hoover, les autres se heurtent à un exposé bien fait, certes, mais peu passionnant !  

Un tueur à gage, entre difficulté conjugales et limite de burn out, accepte un nouveau contrat. Cette nouvelle mission ravivera ses démons et le confrontera à un tout nouveau type de cible...

Plutôt original dans ces ambitions, Kill List est à mi-chemin entre le thriller anglais et le film fantastique, façon Studios Hammer (dans leur dernière période).

Démarrant sur les difficultés conjugales et quotidiennes d'un tueur en manque de contrat, le film s'engage alors sur la voie du thriller, sobre et minutieux, distillant quelques zones d'ombre propices à installer un climat fantastique, pour glisser ensuite dans le fantastique tendance satanique...

Si le climat rappelle le meilleur de la fin de la Hammer et que film élabore son scénario avec une grande méticuleusement, Kill List souffre cependant d'un début trop mou et d'un manque de dynamisme sur la longueur. Paradoxalement, et bien que cela soit l'une de ses réussites, le film s'attache peut être trop à construire sa belle (très belle !) ambiance. Et puis, enfin, Kill List, pour le spectateur, se termine, hélas, davantage dans l'anecdotique que dans l'apocalyptique... Pour son personnage, c'est autre chose !

Dommage, car ses attaches dans le quotidien étaient un excellent écrin pour que ce type de fantastique atteigne le malaise terrifiant. Kill List manque de peu la bonne surprise (l'excellente ?), mais se range à cote de films comme Wake Wood, pour son coté Hammer fin de période, ou Heartless pour son climat soigné et envoutant. Encore imparfait, un peu hésitant, ce Kill List est plein de bonnes choses qu'on aurait aimé voire dans les mains d'un réalisateur plus chevronné.
 

Réflexion sur le site de Onkalo, en Finlande, destiné à conserver nos déchets nucléaires et protéger les prochaines générations pour une période de 100 000 ans. Un projet pharaonique d'ensevelissement des déchets nucléaires, dans d'immenses galeries, et cette question : qu'arrivera t-il à la planète ?

Into Eternity est un documentaire, sous forme d'interrogation, sur la capacité de l'homme à assumer sa responsabilité nucléaire quand aux prochaines générations. Qu'arriverait-il, après une période glacière, si les hommes découvrait ces déchets nucléaires ? Quel serait leur niveau de technologie ? Manipuleraient-ils ces matières mortelles ? Comment les avertir du danger ? Comprendront-ils notre langage, nos panneaux ?
Ce genre de questions là...

Sous une forme visuelle impressionnante et léchée, Into Eternity met à nu la capacité de l'homme à concevoir ce qui le dépasse. Véritable film de science-fiction, il décortique froidement, implacablement, la question de notre responsabilité sur nos lointains enfants (dans 100 000 ans !), abordant sous l'angle du futur lointain le problème nucléaire.

Passionnant, lent, anxiogène et visionnaire, Into Eternity hypnotise par son esthétisme et tétanise par son propos. Il illustre parfaitement l'expression "boite de Pandore", nous faisant prendre conscience que nous n'avons pas encore fini de l'ouvrir, et que la refermer est d'ores et déjà impossible.
Into Eternity décrit la réalité du présent en lui prêtant l'apparence de la science-fiction. L'exercice est troublant, fort riche, et, soulève un intérêt et une réflexion à plusieurs niveaux.
Beau et intelligent.

3 ados en quête de sexe facile se retrouvent otages d'un groupuscule religieux extrémiste et fanatique.

La religion, les armes, la morale et une Amérique en lutte avec les "enfants" qu'elle a créé, servent de décor à ce petit thriller de Kevin Smith : juste de décor. Smith semble ne pas trop savoir l'axe qu'il souhaite exploiter, hésitant entre thriller sur fond de fait divers social (on pense à la secte à Waco) et fourre-tout libératoire comme il aime  faire (ou plutôt "aimait" faire, cf. Dogma).

 Red State devient donc "instable", multi-angle, et en dépit des nombreux éléments sympathiques qu'il contient, semble refuser de se cantonner à un ou deux genres. Faute de se concentrer, il mise sur le contrepied avec le spectateur afin d'éviter les étiquettes, mais au final ne décolle pas du patchwork. Ca commence comme un teen-movie, vire vers le fait divers façon thriller (avec une ombre d'épouvante), passe par le drame et finit en Cohen (façon No Country for Old Man, où Burn After Reading).

Deux beaux moments de mise en scène, des surprises scénaristiques, une volonté affirmée de casser les codes, un John Goodman très étonnant... Red State possède pas mal d'atouts qui en font un film plutôt plaisant à regarder. Mais paradoxalement, il manque son but et laisse une sensation de film inabouti. Red State rate (de peu) son enjeu dramatique, ne laissant au final qu'un film sympathique mais en manque d'âme. La faute à la personnalité turbulente d'un Kevin Smith  qui refuse de grandir ?

Pour venger sa femme qui a été agressée et violée, un homme accepte l'aide d'une mystérieuse organisation qui abattra le coupable. Mais tout "service" doit être rendu... Plus tard, cette même organisation lui demandera d'abattre à son tout un inconnu.

On connait Roger Donaldson pour ses nombreuses réalisations "mainstream" (Cocktail, Pic de Dante, La Recrue, etc...). Ce n'est ni un auteur, ni un grand réalisateur, mais juste un exécutant efficace. Avec Le Pacte, il livre un thriller calibré, sans ambition, mais qui peut néanmoins être vu sans s'indigner.

Si le scénario pouvait tenir la route, et le projet prendre la forme d'une série B nerveuse et méchante, Donaldson le traite hélas sans énergie, se contentant de suivre le scénar pour le mener à sa fin, se contentant du minimum-spectacke et sans s'emparer vraiment de son potentiel (mais a t-il vu cette parano et cette violence qui caractérise la société américaine ?). Rajouter à cela le plus grand acteur de tout les temps, l'homme au jeu subtil qu'est Nicolas Cage (NDLR : Doorama se sent obligé de préciser que ce propos n'est qu'ironique), et vous aurez une idée du caractère "pataud" du bidule !

Le Pacte n'est pas ridicule ou honteux, il est juste inutile et déjà daté. En revanche, Le Pacte contient des morceaux de Guy Pearce (Memento, First Snow), cet acteur trop rare et souvent sous-utilisé, trouve ici un rôle et un look assez sympathique. Même si ce dernier cabotine aussi (moins que Cage, on vous rassure), c'est pour lui que Le Pacte supportera d'être vu !

Un journaliste prends fonction à Porto Rico dans un journal sur le point de fermer. Entre rhum, collègues improbables, un agent immobilier corrompu et sa superbe femme, il devra choisir son positionnement journalistique.

Seconde adaptation de Hunter S. Thompson (journaliste écrivain) avec Johnny Depp, Rhum Express n'est pas sans rappeler Las Vegas Parano, mais le coté drogue et destroy en moins... moins délirant aussi... moins rythmé aussi... moins riche... bref moins réussi et passionnant, avouons-le, que son prédécesseur.

Néanmoins, si l'on oublie la comparaison, Rhum Express trouve son style et ses qualités propre. Une réalisation plutôt soignée, un Johnny Depp en pleine forme (pas la meilleure non plus), quelques scènes "rock'n roll", et une intrigue peuplée de personnages bien typés qui vont parfaitement avec la nonchalance tropicale de Porto Rico.

Rhum Express, s'avère au final plutôt attachant. Il oscille entre folie douce et excitation molle, sans pour autant commettre de fautes de goût majeures. On y prend donc un certain plaisir, et même si les péripéties de ce beautiful loser ne graveront pas à jamais votre mémoire, la ballade n'est pas désagréable.

Les débuts de la psychanalyse moderne au travers de la relation entre Jung et sa patiente, et celle qu'il entretient avec son maître à penser : Freud.

Toujours fasciné par les difformités qui nous caractérisent (qu'elles soient physiques ou psychologiques) David Cronenberg plonge de nouveau sa caméra, tel un instrument médical, à l'intérieur de ses personnages.

Délaissant ici le fantastique ou la violence, Cronenberg renoue avec un traitement à la Spider, où il explore frontalement les interrogations, contradictions des fondateurs de la psychanalyse.

Puisqu'il est question de transfert, on reconnaitra à A Dangerous Method, son étonnante réussite quand à inverser les rôles, plaçant habilement les analystes en position de patients et la patiente en position d'analyste.

Lent et minutieux, A Dangerous Method ne parvient cependant pas à passionner. En dépit de l'intérêt certain de son sujet, le casting ne convainc pas totalement et, par sa volonté (?) de donner à son film les formes d'une analyse, Cronenberg en vient à oublier l'intérêt cinématographique de son entreprise.

Rapidement, A Dangerous Method se fige, devient froid, mettant le spectateur en position d'analyste, et l'obligeant de fait à rester à distance de son sujet. Si l'idée est intéressante et la démonstration en partie réussie, A Dangerous Method laisse au final un certain goût d'inachevé.

Une star du Cinéma muet voit son statut bouleversé par l'arrivée du Cinéma parlant et de ceux qui y rencontrent le succès, en particulier la belle Peppy Miller tombée amoureuse de la star descendante...

Déclenchant un tsunami d'enthousiasme médiatique, The Artist agit effectivement comme un souffle d'air frais, un électrochoc, comparé aux autres productions actuelles. Incroyable réalisation, recomposition à l'identique d'un véritable film muet, The Artist offre effectivement une impressionnante patine du "cinéma d'avant" et restitue à merveille son charme, sa force narratrice et sa charge émotionnelle.

Tendre, beau et intelligent, The Artist réussit le tour de force à injecter des éléments du langage cinématographique moderne dans son minutieux travail de copiste, tout en respectant l'esprit et la forme d'alors. Le travail de Michel Hazanavicius est impressionnant et, il est vrai, parfait. On comprend que l'Amérique accueille si chaleureusement cette ode au Cinéma Américain Muet, cette ode au Cinéma tout court !

S'il est bien difficile de reprocher quoi que ce soit à The Artist (casting, réalisation, lumière, scénario...), le bémol de Doorama se portera plutôt sur le public de The Artist... Parce qu'à bien y regarder, mis à part la rareté de ce type de projet (et c'est effectivement déjà beaucoup) où se situe la "nouveauté" ? Il n'y en a pas.

The Artist est un film hommage, une piqure de rappel indiquant qu'un pan entier du cinéma a été oublié, zappé, du grand public en raison de sa forme (muet, noir et blanc...). The Artist est un immense travail de copiste (au sens noble du terme) dont la force réside dans les originaux qu'il imite et l'envie qu'il donne de revoir les classiques du Muet.
Le succès du film d'Hazanavicius est loin d'être démérité, il apparaît plutôt comme disproportionné et rappelle que critiques comme spectateurs ont oublié (ou ne connaissent pas !) ce cinéma d'hier. Et comme on dit par chez nous : "C'est ça qui fait tristesse" !.
Espérons que le public se souviendra de ce message.
     

Un père doit annoncer à ses deux enfants la mort annoncée de sa femme, dans un coma avancé.

Comme tout cela est bien amené... comme tout cela est léger face au poids du sujet. The Descendants est un film sur le travail de Deuil, sur la Vie passée et sur la Vie à venir.

Pour le plus grand plaisir du spectateur, The Descendants aborde ces thèmes souvent casse gueule (la Vie, la Mort...) avec une légèreté, un naturel, une simplicité absolument renversante, et finalement tellement réaliste.

Prenant bien soin de se tenir loin de toute leçon de morale ou de message pompeux et bien-pensant, The Descendants, touche après touche, dresse le portrait d'un homme qui fait face à une tempête de situations difficiles... Curieusement, le charisme et le flegme de Clooney, n'empêche nullement le spectateur de se sentir proche de ce "monsieur tout le monde" : étonnant et très agréable !


Avec un ton très proche de celui de Little Miss Sunshine, Alexander Payne exécute le grand écart parfait, réussissant à nous aérer la tête et nous réchauffer le cœur tout en abordant des thèmes particulièrement délicats. The Descendants est un film doux, émouvant et terriblement drôle qui transforme son ironie, son cynisme et une certaine cruauté en un plaisir immense pour le spectateur.